아누유럽건축답사영상

여름방학 유럽건축답사 문의하시는 분들께 알려 드려요. 신종플루가 유럽에서 안전하다는 확신이 설 때까지 건축답사는 잠정적으로 연기합니다.
 

 ▒ 노이틀링 라이다이크 - 미디어센터 / 힐버섬

지하 5개층, 지상 5층의 거대한 구조물이 계란형으로 감싸고 있는 퍼브릭 아트리움에 서면, 흡사 지하석굴의 깊은 협곡에 있는 듯하다. 라디오와 텔레비젼 미디어센터로써, 지하는 녹음실용이며 지상은 미디어뮤지엄과 방송업무용 사무실들이 있다. 사람들에게 강한 인상을 주는 건축파사드는 채색 제작된 유리스킨으로 미디어파크의 매력적인 스크린같다. 그래픽은 네들란드의 유명한 텔레비젼 이미지들을 모아서 재구성한 것으로 디자이너는 Jaap Drupsteen이다. 미디어센터를 마지막으로 네들란드 공영방송사들의 집합체인 미디어파크는 완성되었다. 영상은 Villa VPRO, NET3, RVU 와 함께 엮었다. 미디어센터의 공식완공은 2006년, 2007년 초여름 오픈되었다.   

 ▒ 프랑크푸르트 제3공항 당선작전시회 / 프랑크푸르트

세계의 공항설계기록 중, 가장 인상적인 것이 있다면, 2005년 있었던 "프랑크푸르트 제 3공항" 이었다고 생각한다. 프랑크푸르트 제 1공항은 1951년 Hermann Mäckler 가 당선됐고, 54년이 지난 후, 그의 아들 Christoph Mäckler 가 제 3공항에 당선되었다. 긴 세월을 넘어서 아버지와 아들이 한 지역의 공항설계를 담당하게 되었다는 것은 언론의 큰 이슈가 되었다. 현재, 도르트문트대학 도시디자인과 학장으로 재직중인 멕클러씨는 사무소를 개설하기 전, O.M.Ungers 사무소에서 일하였다. 프랑크푸르트 건축박물관(O.M.Ungers작)에서 당선작전시를 하게 된 것은 분명 그에겐 큰 감동이었을 것이다. 전시회는 멕클러씨의 작품과 노먼 포스터(2등작), 폰 저칸(3등작)씨의 작품까지 함께 전시되었다. 당선작은 기존 공항을 수정하는 부분이 전혀 없는 완벽한 합체로 평가 받았다.

 ▒ 크리스티앙 포잠박 건축전시회 / 파리

작은 체구에 미남형의 건축가 크리스티앙 포잠박은 필자가 만나 본 건축가들 가운데 가장 부드러운 목소리와 침착한 성품, 그리고 야성적인 열정을 지녔다고 생각한다. 그의 대표작 파리음악당을 보면, 내외부 공간의 유연한 화이트베이지 전개와는 달리, 음악홀내부는 보라에 가까운 푸른색과 붉은색의 조화가 흡사 뜨거운 공기의 열반사를 연상시킨다. 이와 같은 특징은 퐁피두센터 앞의 카페인테리어에도 나타났고, 릴의 뚜르드크레디 빌딩과 알메르의 De Citadel 에서도 여지없이 표현되고 있다. 그의 디자인에 자주 등장하는 곡면과 극적인 공간에서 처리하는 절단, 반복적인 선들이 만들어 내는 음율은 고대 이슬람건축에 가깝다. 1944년 아프리카의 모로코, 카사블랑카에서 태어나 그곳에서 유년시절을 보낸 건축가였기에 가능한 작품세계가 아닐까? 생각한다. 건축전시회는 지금 짓고 있거나, 앞으로 지어질 건축물들을 소개한 것으로 에펠탑과 인접한 CITÉ 건축전시홀에서 열렸다.

 ▒ 07, 뮌스터조각프로젝트전 & 카셀도큐멘타12 / 뮌스터, 카셀

사람들은 당나귀와 염소의 무심한 행동과 표정에 의외로 인간사회를 발견하며 흥미를 느끼게 된다. 물론, 격리된 전시형이 아니라, 전시공간으로 관객이 들어갈 수 있도록 열려 있다. 이제 관객은 전시되는 하나의 오브제이면서 새로운 행동을 만들어 낸다. 발걸음은 자연스럽게 마굿간으로 향하고, 그곳에서 구약성서에 나오는 롯의 아내가 소금기둥이 되어 있는 것을 발견하게 된다. 여기 저기 흩어진 동물들이 배설한 오물들은 음란과 죄악의 상징이란 것에 동의하며, 마굿간 벽면에 설치된 소금기둥 단편영화를 본다. 뮌스터의 조각프로젝트전은 도시전체에 전시동선이 있고, 도시가 전시작품의 배경이 되며, 작가가 준비한 모티브에 동화된 관객들이 완성하는 연속된 움직임들의 조각전이라고 할 수 있겠다. 이에 비해, 카셀은 대형전시실들이 한 곳에 집중되며, 최근 사회에서 이슈화된 기록물을 작가의 관점에서 재해석한 작품들이 중심이다. 관객들은 익숙했던 사건들의 다른 시각을 경험한다.

 ▒ 헤르조그 & 드 뮤론 - 라반크릭사이드 / 런던

선종(禪宗, Zen)에서는 인간의 모든 동작이 부처가 될 수 있는 종교의 행위로 보았다. 무용학교인 라반크릭사이드는 학생들이 생활속에서 동작과 시선의 미묘한 변화를 스스로 감지할 수 있도록 설계되어 있다. 정원은 공연을 할 수 있는 극장이며, 연습실이고, 관람석이기도 하다. 건축외피의 색깔변화는 마치 선박의 이끼처럼 은은하고 부드럽게 진행된다. 공간에 소리가 있다면, 그 울림마저도 파사드에 흡수될 것 같다. 내부공간도 예외는 아니다. 어떤 장소라도 자신의 모습을 반사를 통해 인지할 수 있다. 학생들은 모든 곳에서 상상력의 파워를 얻어낸다. 창작이 필요한 이들에게 영감을 던져줄 수 있는 세계를 만들어 준다는 것은 정말 훌륭한 작업이다. 곧 건축이다.

공간분석, 전시영상

 ▒ 마리오 보타 - 성 마리엔젤스 채플 / 리베라

사랑하는 아내가 죽었다. 남편은 아내를 위해 리베라의 가장 높은 곳에 아내의 무덤을 마련하고 채플을 지었다. 아내가 보고 싶을 때면, 그곳에 가서 천상의 아내를 만난다. 그리고, 남편의 무덤이 될 자리도 채플에 함께 준비되어 있다. 십자가까지. 채플은 하늘나라에 있는 아내와 지상의 남편을 이어주는 구름다리 역할을 한다. 판타지같은 사랑이야기가 퍼져 현재는 결혼식장으로도 사용된다. 건축은 아름다운 자연을 더욱 완벽하게 만들어 주는 화룡정점이라고 마리오 보타가 말했다. 채플로 가는 길의 모든 자연이 응축되어 채플에 표현되어 있는 듯하다. 지역의 돌을 사용했고, 마을의 계단구성방식까지 재현되어 있다. 채플은 부부가 살던 곳을 그대로 담아 내었다.

 ▒ 미켈란젤로의 대리석산 / 카라라

라틴어로 wagon과 moon의 합성어인 Carrara. 그 이름처럼 카라라는 지금도 쉴새없이 대리석을 옮기는 네 바퀴들이 움직이고 있다. 카라라는 전세계 조각가들의 심장을 떨리게 만들며 두 눈을 충혈시킨다. 기원전부터 이곳의 대리석은 애용되었고, 우리들이 알고 있는 판테온이나 로만포로로 등 로마의 유명건축뿐 아니라, 밀라노의 두오모에 사용된 대리석도 카라라의 대리석이다. 물론, 피사와 피렌체도 카라라의 대리석으로 지었다. 카라라가 더욱 유명해진 계기는 르네상스의 미켈란젤로이다. 그는 이곳을 직접 여러번 답사했고, 카라라에서 주요한 대리석맥을 찾아 내었다. 그래서, 카라라에는 "미켈란젤로의 대리석산"이 있다. 카라라 사람들은 그렇게 부른다. 피렌체 다비드상으로 카라라의 대리석은 조각가들 사이에서 더욱 선호의 대상이 되었다. 한국의 H대학 5m 다비드 거상도 카라라에서 주문제작한 것이다. 석상이 완성되었을 때, 마침 작업장에 있었다. 사람들의 이와 같은 대리석 사랑은 카라라의 모습을 결국 바꾸고 말았다. 좌측사진의 새하얀 계곡은 대리석의 잔유물로 이뤄진 것이다. 푸른 산들이 만년설의 단계를 거쳐 이제 회색으로 변해 간다. 그리고, 대리석을 모두 캐낸 암반뿌리에는 암석의 결을 따라 흑선이 생긴다. 아이러니하게도 그러한 흑선조차 아름답다. 까를로 스까르빠는 베니스의 이태리관안에 조각정원을 디자인했었다. 조각정원에는 조각이 없었지만, 사실은 쟈르디니공원 입구에 물에 잠긴 조각들을 만들었었다. 그 아련한 아름다움이 미켈란젤로 대리석산이 주는 이미지와 매우 흡사하다고 생각해서 영상의 엔딩으로 했다. 대리석산을 여러번 답사한 후에야 비로소 눈에 띈 작품이었음을 고백한다. 카라라는 밀라노와 피렌체사이 이태리 중북서에 위치한다. 밀라노에서 파르마를 거쳐 카라라까지는 235km, 피렌체에서는 100km이다.
 

 ▒ 카스텔라나 지하석굴 / 퓰리아

레오나르도 다 빈치(Leonardo da Vinci, 1452-1519)는 카스텔라나 지하석굴 입구 앞에서 다음과 같이 말했다.

"한 동굴입구에 도착해보니, 자연의 기교들이 만든 다양하고 이상한 형태들의 거대한 군상들이 희미하게 보인다. 그리고, 약간 정적이 지나간 후, 어느새 내 맘속에는 두 가지가 떠 올랐다. 두려움과 바램. 두려움은 위협적인 지독한 어둠이다. 바램은, 만약 저 안에 어떤 것이 있더라도 기적이 아니길 원하는 것이다. "

그는 동굴탐사 후, 그의 감정이 어땠는 지는 기록하지 않았다. 이 동굴은 지하 72m까지 도달하며, 총 3km이다. 2시간 소요된다고 했지만, 실제로 3시간 넘게 걸렸던 곳이다. 특히, 하얀 석굴(Grotta Bianca)은 세계적으로 드문 사례라고 한다. 그 모습이 피사의 사탑을 연상시킨다. 피사와 피렌체 일대를 "토스카나" 지역으로 부르는데, 메디치가문의 후원을 받았던 레오나르도 다 빈치나 미켈란젤로의 작품들이 카스텔라나 지하동굴에서 연상되었다는 것은 결코 우연이 아니다. 이 동굴의 위치는 오스투니와 불과 1시간 거리안에 있다. 오스투니에서 보여 주었던 신비한 돌과 땅의 세계는 카스텔라나 지하석굴안에서 찾을 수 있었다. 오스투니 건축의 비밀코드는 이곳이었다.
 

 ▒ 또 다른 모던, 오스투니 / 퓰리아

우측의 글을 읽지 않은 채, 먼저 위 영상을 보시길 권해요. 영상페이지는 열린 후, 닫지 않으신다면, 여러번 반복하실 수 있습니다.
 

영화 모차르트에서 그가 왕실의 궁중음악가로 뽑혔을 때, 기뻐하던 모습이 생각난다. 쇼팽이 조르주 상드를 만나지 않았다면 과연 어땠을까? 클래식- Classic -이란 단어가 "소수의" 란 뜻에서 "대중의" 로 의미확대 발전한 것은 흥미롭다. 클래식은 왕실이나 귀족의 실내악에서 오케스트라의 관현악으로 발전되었을 때, 음악의 깊이와 영향력이 최고조에 달할 수 있었다고 생각한다. 그 출발점이 실내악의 음악사에서 마지막이라고 할 수 있는 파르띠따 Partita의 등장이다. 이것을 독일에서는 "모음곡" 이라고 가르치고 있는 것이 필자에겐 이색적이고 놀랍다. 그렇지만, 단어의 뜻만으로 본다면, Partita는 "출발한다"는 것(이태리어)이다. 한 때, 클래식이 귀족층을 대상으로 작곡됐기 때문에, 프랑스 왕가의 느린 춤곡인 샤콘느-Chaconne-의 멜로디는 18c 많은 음악가들이 작곡을 시도했고, 실내악 샤콘느를 음악사는 Partita로 분류했다. 그 중, 개인적으로 가장 매력적인 것이 있다면, 단연코 바하의 D Minor 작품이다. 지금도 세계의 유명콩쿨에서 지정곡으로 발표되는 매우 어려운 곡이다. 두 줄의 현을 동시에 켜야 하는 더블 스토핑이나, 네 줄의 현을 모두 울려야 하는 울트라 C 기법들이 곡 전체에 있고, 일부를 제외하곤 모두 화음이 존재한다. 연주하는 것을 직접 보지 않고, 눈을 감고 듣는다면 여러대의 바이올린이 각각의 파트를 화려한 기교없이 담백하게 연주하는 것처럼 들린다. Partita 이후, 클래식 음악계는 관현악곡이 등장함과 동시에 실내악은 점차 쇠퇴하기 시작한다. 많은 악기들이 모두 포함되어야 하는 관현악의 배경으로 본다면, Partita는 모음곡이 맞다. 서로 다른 건축양식을 바이올린의 사현으로, 파사드를 멜로디로, 건축재료를 음색으로, 건축공간을 소리의 울림으로 본다면, 오스투니는 건축의 Partita이다. 서구 전통건축은 짧은 변이 정면이다. 동양은 긴 변이다. 동서양의 모던에 대한 인식의 차이는 이와 같다고 생각한다. 동양에서 모던건축이 혁명과도 같은 존재로 과거와의 단절을 내포한다면, 서양에서 모던건축은 전통건축의 재해석이고 적층의 결과이다. 오스투니에서 르 꼬르뷔지에의 롱샹교회와 라뚜렛을 발견할 수 있고, 한스 홀라인의 다층간 디자인을 찾을 수 있다. 앙리 시리아니의 Multi Layer 와 MVRDV의 더블하우스도 있다. 렌조 피아노의 퐁피두 설비외부배치 형태는 흔한 일상이며, 현대건축의 테마인 건축적 산책로에 사용되는 완만하게 교차하는 계단은 필수적으로 골목길에 존재한다. 다니엘 리베스킨트의 유태인박물관에서 가장 인상적인 계단실의 거리 팻말이 기억난다면, 집들 사이에 끼워져 있는 불규칙한 버팀목으로 진한 감동을 받을 것이다. 5대 근대건축가의 백색이 페인트라면, 오스투니의 백색은 방충 방수 방풍의 제소-Gesso-이다. 대칭과 균일이라는 보자르건축에 익숙해 있었기에, 모던건축을 서구건축사에서 혁명으로 보기 쉽다. 그러나, 만약 오스투니를 본다면, 건축에 있어서 모던은 혁명이 아니라 회귀였음을 알 수 있다. 그 회귀의 대상이 귀족건축이 아닌, 서민건축이었다는 것을 우리는 1953년 파리 라디오 방송에서 흘러 나왔던 르 꼬르뷔지에의 인터뷰 "보자르건축을 배우기 위해, 이태리의 유명학교로 유학갈 것이 아니라, 프랑스 남부의 서민집들을 답사하라." 로 더 잘 이해할 수 있다. 이는 과거의 서민건축에서 모던의 정신을 찾을 수 있음을 말해 주는 것이다. 오스투니에서는 단 하나라도 같은 크기의 창을 발견할 수 없다. 같은 듯 모두 다른 디자인이다. 어떤 것은 필요에 의해 다시 막아버린 창들도 많다. 원래 길이었던 곳이 집내부로 전환되거나, 원래 집이었던 곳이 길이 된 흔적은 곳곳에서 발견된다. 멋진 집을 처음부터 만들어 간 것이 아니라, 있던 건축을 사는 사람들이 그들의 생존에 맞게 변형 발전시킨 것이다. 그러한 역사의 누적된 결과물이기에 오스투니에서 모든 디자인양식을 찾을 수 있고 새롭게 창조할 수 있다. '쓰고 지우고 다시 쓴다.'는 팔림페스트(Palimpsest)의 뜻과 가치를 오스투니를 통해서 명확히 이해할 수 있다고 본다. 바하의 선율에서 그의 음악적 아름다움을 돋보이게 하는 부분은 맑고 높은 영역이 아니라, 툭툭 던지듯 둔탁하고 소박한 멜로디의 Bass 저음파트라고 본다. 그것처럼, 오스투니의 진정한 매력은 바로 그 땅에 있었고, 대지가 용암이 굳어 생성된 돌산과 암반이었다는 것에서 찾을 수 있다. 돌산 위에, 성곽을 지을 때, 산세를 적용한 것으로, 자연과 인공이 함께 건축이 된 경우이다. 집내부에서 발견되는 암석들은 거추장스런 존재가 아니라, 고급스런 공간을 만드는 훌륭한 구조체였고 모던한 디자인 오브제다.
 

 ▒ 한 여름밤의 오스투니 / 퓰리아

나폴리 태생의 성악가 카루소(Enrico Caruso, 1873-1921)의 인생을 보면, 혼돈의 시기를 두 번 겪는다. 한 번은 베니스를 여행했을 때, 거리의 모든 이들이 성악가 못지 않아서 큰 좌절을 경험했고, 또 한 번은 성악이 오페라극장을 벗어나 음반화되는 모던시기를 맞을 수밖에 없었던 갈등이었다. 그는 최초로 음반을 낸 성악가였다. 이것은 당시 성악계에서 그를 고립시킨 큰 사건이었다. 이태리 퓰리아의 오스투니는 긴 역사안에서 스스로 적응력을 키워 낸 자생적 도시이다. 고대 그리스의 식민도시로 출발했기에 Ostuni의 뜻은 고대 희랍어로 "New Town " 이다. 지금의 성곽모습은 터키를 막아내기 위해 중세 때 건립되었다. 르네상스를 지나면서, 오스투니는 남동부 이태리의 문화도시로 거듭나게 된다. 그 후, 성곽은 점차로 거대한 주거단지로 변화해 갔다. 현존하는 가장 오래된 아파트형 공동주거단지라고 할 수 있다. 이태리의 다른 유명도시에 비한다면 오스투니는 내세울 것이 별로 없었다. 그리고, 바닷가에 위치하고 멀리 지중해가 보이지만, 과거 방어벽으로 구축되었기에 어업을 하기에는 힘든 거리(자동차로 1시간)에 있다. 근대에 오스투니는 "하얀도시"로 거듭난다. 3만여 오스투니 주민들은 도시의 역사를 관광으로 전환시켜 퓰리아의 부유한 도시가 되었다. 밤의 오스투니는 순백에서 벗어난 유일한 시간이다.

 ▒ 산티아고 깔라뜨라바 - 움브라클레 주차공원 / 발렌시아

영화감독 페레 포르타베야 (Pere Portabella)는 그의 데뷔작 뱀파이어 영화 후속으로 1972년 영화 Umbracle를 발표했다. 85분 길이의 움브라클레는 " 분절된 공간이 결코 장소로 될 수 없음을 스틸샷의 파편들안에서 극적인 흑백대비로 표현했다." 는 평가를 받았었다. 영화안에서 Umbracle는 끊임없이 성장하는 나선형이었고, 결코 왔던 길을 되돌아가지 않는 선구자를 상징했다. 오랜 기간, Umbracle는 스페인 사람들의 뇌리속을 떠나지 않았고, 각 문화계의 아이콘으로 자리 잡았다. 굳이 이 이야기를 하는 것은, Umbracle란 단어가 포르타베야 - Portabella 란 '아름다운 대문' 이란 뜻이다. - 감독의 상상력에서 만들어진 단어였고, 영화의 주제였던 비계층화, 동종이질적 창조물 등이 움브라클레의 의미로 발전되었기 때문이다. 감독의 상상력을 따라가 본다면, 발음상으론 ombra(이태리어), ombre(불어) - 그늘 - 등과 유사하고, 영어의 라틴 접두어로 umbra - 버섯, 씌우다 - 가 있다. 어느새, 건축계에선 shadow house를 의미하는 컨셉어로 Umbracle가 차용되었다. 좀 더 자세히 설명하면, 파빌리온의 역할을 하는 지붕이 있으면서, 그 내부에 정원이 있는 공간을 지칭한다. 2002년 구조물이 완공된 City of Science 주차공원의 이름을 깔라뜨라바는 L'Umbracle로 지었다. 문화계의 아이콘을 건축적으로 어떻게 재해석했는 지를 보면 흥미롭다. 주차공원은 동서축방향으로 320m의 긴 변을 이루고, 폭은 가장 넓은 곳이 33m에 달한다. 지붕이 되는 스틸아치는 두 개로 나뉘어지는데, 하중이 전달되는 구조아치가 55개로 고정되어 있고, 그 사이에 플라잉 아치가 54개다. 지면에서 가장 높은 만곡점까지의 높이는 18m이다. 공식적으로 주차공원은 아직 미완성이라고 말한다. 양측에 심어 놓은 식물들이 모두 자라 지붕을 덮을 때가 완공이라는 깔라뜨라바의 말이 매력적이다.

 ▒ 산티아고 깔라뜨라바 - 과학뮤지엄 / 발렌시아

펠리페왕자(Príncipe Felipe) 뮤지엄으로 어린이 과학박물관이다. 가로 길이가 241m, 폭이 104m이며, 건축내부에서 사람들이 인식할 수 있는 기둥은 없다고 봐야 한다. 나무의 가지끝을 죽 끌어 당겨 땅에 고정한다면, 그 힘의 흐름이 이 건축과 비슷하다. 남측면의 유리파사드 내부 홀에는 5개의 거대한 수형 기둥이 있다. 모든 하중의 종착점이며, 코어와 엘리베이터까지 겸한다. 북측면(좌측사진)의 파사드는 수형도에서 가지들의 끝마구리라 할 수 있고, 공중보도를 기둥없이 지지하는 역할까지 담당한다. 뮤지엄의 땅과 면적이 결정되었을 때, 최소한의 건축요소만으로 설계한 경우로 생각된다. 지붕은 1/16 원호를 이루며, 스틸 트러스구조이다. 남북면에서는 철저하게 좌우대칭이다. 프리패브 콘크리트는 최소의 갯수로 최대의 공간미를 만들어 냈다. 열변화를 고려하여 콘크리트와 유리의 접합은 코킹재료를 각 면에 사용하여 중합했다.  수형도에서 발전되었기에, 건축 내외부 공간에서는 끊임없이 반복되는 삼각형을 발견할 수 있다. 이것은 마치 광학도를 연상시킨다. 2000년 완공되었을 때, 사람들은 뮤지엄을 가리켜 공룡의 뼈 또는 선사시대의 물고기라고 불렀다 한다. 구조 자체가 파사드와 공간이 되었다.

 ▒ 산티아고 깔라뜨라바 - 음악과 퍼포밍 아트센터 / 발렌시아

깔라뜨라바에게 있어 콘크리트 가소성의 한계는 없는 듯하다. 백색 세라믹같은 외피는 콘크리트로 만든 결과물이라고 믿기 어렵다. 형태는 인접한 아이맥스 씨어터의 싸이클용 헬멧처럼 보이기도 하고 도로면에서는 럭비공같기도 하다. 고딕건축의 성당구조에서, 단일 볼륨의 거대한 높이의 하중벽을 지탱할 수 있는 구조로 버트레스가 있었다. 같은 용법으로 스킨내부에 버트레스가 적용되었다. 과거보다 발전된 것은 곡면부이다. 역할은 버트레스, 형태는 아치, 촘촘한 배열로 볼트를 만들어 낸 구성이다. 사실 건축에서는 독특한 브리즈 솔레이유 스킨이라고 할 수 있다. 내부 공간 서측은 큰 규모의 오케스트라 하우스(1300석)가 있고, 깔라뜨라바가 설계한 다리와 접한 동측엔 작은 쳄버 뮤직홀(400석)이 있다. 두 공간 사이의 보이드 로비와 연계하여 외부 테라스가 있다. 엄격하게 이곳의 외부공간을 감싸는 레이어라고 지칭할 수 있으며, 크게는 더블 스킨으로 자연스럽게 태양열을 감쇠할 수 있다. 원래 이 대지에는 City of Science 랜드마크 타워빌딩이 건립될 계획이었으나, 시장교체로 건축도 바뀌게 되었다. Music and the Performing Arts Center의 높이는 75m, 연면적 40,000 m² 로 2005년 완공되었다.

 ▒ 산티아고 깔라뜨라바 - 아이맥스 씨어터 / 발렌시아

깔라뜨라바 스스로도 이 건축은 어린이의 눈을 형상화했다고 밝혔다. 사물을 그대로 디자인에 옮기는 것을 가장 저급한 것으로 배웠기에 어떤 차이점이 있는 지를 알고 싶었다. 정면은 아이가 눈높이까지 물속에 잠긴 모습이다. 측면은 눈동자와 속눈썹까지 표현된 눈이다. 물론, 단면도와 평면도까지 마치 눈을 해부한 듯하다. 그렇지만, 건축이다. 콘크리트와 알루미늄, 유리와 스틸 그리고 세라믹의 조화가 완벽하다. 기본적인 큰 골조는 프리패브 콘크리트로 정교하게 상단의 곡면부를 다루었다. 정면의 눈꺼풀은 알루미늄으로 눈의 깊이를 더해 준다. 측면에서 돋보이는 유리와 부착용 스틸은 마치 속눈썹처럼 정연하다. 동선은 신경조직처럼 유기적이다. 눈동자같은 반구는 세라믹으로 빛을 발한다. 아이맥스 극장은 세라믹 반구안에 있다. 둥근 천장이 그대로 외관을 만든 셈이다. 이 극장의 주요 상영주제는 천문(天文)에 관한 것이다. 발렌시아의 뉴타운이라고 할 수 있는 City of Science 프로젝트 중, 가장 먼저 1998년 완공된 이 건축의 이름은 Planetarium (L’Hemisfèric)이다. 눈을 형상화했지만, 군더더기 없는 간결한 구조미와 고도의 시공기술은 세련됨으로 승화되었고, 눈은 사람들에게 친근하게 다가갔다.

 ▒ 까를 부이가스 - 몬쥬익 마술분수 / 바르셀로나

사람들은 좋아하는 것이 있다. 아름답고 몽환적이며 동시에 카타르시스까지 느낄 수 있다면, 환호하며 그 대상을 사랑한다. 바르셀로나의 몬쥬익 마술분수는 사람들의 마음을 그렇게 사로 잡은 것으로 유명하다. 분수는 칼라와 조명, 물줄기의 모션 움직임들, 그리고 때때로 음악과 함께 장관을 연출한다. 여기엔 대단히 정교한 건축적 장치가 있다. 가장 낮은 에스파냐 광장부터 가장 높은 지점인 까딸루니아 국립예술박물관까지 단계적으로 올라가는 스텝은 이미 감성적 상승감을 주고 있다. 원형분수는 미스의 바르셀로나 파빌리온의 낮고도 긴 수평적 정형미와 대조를 이루고, 분수의 불규칙적인 비정형성은 극대화된다. 사람들이 국립예술박물관의 전망대 테라스까지 올라가게 되면, 도시 전체가 분수의 배경이 된다. 여기서 최고조의 극적 공간을 느끼게 되고, 사람들은 마술분수의 마력에 매료될 수밖에 없다. 1929년 5월 19일 첫 분수쇼 이후, 영원한 바르셀로나의 심장이 되었다. 영상의 첫 장면은 에스파냐 광장에 위치한 로마시대의 원형경기장이 거대한 기계잭으로 들리워지고 있는 모습이다. 건축가는 리차드 로저스. 고대 경기장을 통째로 들어 올린 후, 그 하단에 현대건축을 짓고 있다. 또 다른 판타지다.

 ▒ 몬세라 / 바르셀로나

가우디가 예술적 영감을 얻었다고 전해지는 바르셀로나의 Montserrat 이다. 위대한 건축가가 바위산의 어떤 부분에서 감동을 받았을까? 몬세라는 그 이름처럼 수 많은 바위들이 톱니 모양을 하고 있다. 숨이 넘어갈 듯 깎아지른 산세와 암석사이의 드문드문한 관목들은 이 산의 강렬한 생명력을 느끼게 한다. 붉은 토양으로 인해, 산 입구의 강물 빛깔도 불그스레하다. 계곡의 부숴진 돌멩이들은 흩뿌린 별같다. 날카롭게 배열된 암석들을 가만히 들여다 보면, 그 외관이 둥글고 섬세하다. 거칠게 제멋대로 구성된 조합같지만, 모두 이유있는 연결고리가 있다. 최고봉은 누적층을 단계적으로 보여준다. 중턱의 바위들은 몬드리안의 구성도가 돌로 모자이크된 것 같다. 산 끝자락의 그물망같은 지류들은 영산의 완충지대로 볼 수 있겠다. 자연의 완벽함과 위대함은 엄청난 세월의 흔적을 담고 있기 때문은 아닐까? 거친 비바람에 그대로 노출된다는 것은 건축도 마찬가지다. 오랜 풍화작용의 결과처럼 파사드를 만드는 것, 그리고 앞으로 자연에 의해 변형될 여지를 건축에 마련하는 것, 작은 공간 작은 디테일마저도 소우주를 창조하는 것처럼 완벽을 추구하는 것 등을 Monserrat에서 찾아내지 않았을까하고 생각한다.
 

 ▒ 장 누벨 - 퀸소피아내셔널뮤지엄 / 마드리드

사람에 비유하자면 옴므파탈에 가까운 건축이다. 2005년 완공된 이 건축은 장 누벨의 역량이 가장 잘 드러난 작품으로 생각되며 건축재료로써 메탈의 매력이 충분히 드러났다. 굳이 분류하자면, Steel Concrete 구조지만, 구조뿐 아니라 외장재로써 도입된 Metal의 다양한 기능과 역할이 놀랍고, 더불어 반사율이 높은 도료에 의해 재탄생되는 것까지 프로세스가 정교하다. 철은 강하지만, 건축가의 상상력에 의해 부드럽게 표현될 수 있고 자체적인 물성개발뿐 아니라, 도색효과까지 다변적으로 건축에 가시화할 수 있다. 어떤 실험예술도 전시가능한 거대한 전시홀은 마치 광장처럼 오픈되어 관람객의 발길을 잡는다. 이곳의 높이 20m, 면적 3780m²에 달하는 높은 볼륨감은 지붕의 천창이 만들어 낸 빛의 난사로 더욱 드라마틱하다. 다이아몬드 내부의 굴절효과를 건축공간에서 만들어 낼 수 있다는 예제가 되었다. 퀸 소피아 내셔널 뮤지엄은 원래 병원건축이었으나 1965년 폐쇄되었고, 1977년 뮤지엄으로 전환하였다. 이후, 콜렉션의 누적과 새로운 현대아트 전시를 목적으로 1999년 증축을 위한 국제현상을 진행하였고, 장 누벨이 당선되었다. 영상 후반부의 미래도시형 카페테리아는 2006년 완공된 것이다.
 

 ▒ 노먼 포스터 - 콘그레스센터 / 발렌시아

1998년 완공된 발렌시아 콘그레스 센터이다. 물론, 회의장에는 사무공간들과 카페테리아 등이 있지만, 크게 본다면 이 건축은 전형적인 파빌리온 양식이다. 또, 수면 위에 떠 있는 나뭇잎처럼 간략하게 단순화된 스틸 콘크리트 구조가 가장 강력한 개성으로 볼 수 있다. 고대건축에서 수직력은 석조가, 수평력은 목재가 담당했었다. 노먼 포스터는 석조를 대신해서 철골조를 , 목재를 대신해서 콘크리트를 적용시켰다. 지붕에 사용된 프리패브 콘크리트의 디테일에서 작은 잎맥이라고 할 수 있는 단위 콘크리트들이 곡률이 낮은 아치형이다. 실제 나뭇잎의 구조도 그러하다. 이것은 하중을 최소화하여 스틸기둥의 직경을 줄여 준다. 사람들의 인지력에서 기둥의 존재가 거의 느껴지지 않는 것은 이미 사람들에겐 건축의 규모에 따른 익숙한 상대적 기둥크기가 있기 때문이라고 생각한다.  

 ▒ SANNA - 현대예술협회뮤지엄 / 발렌시아

1989년 오픈한 발렌시아 현대예술협회 뮤지엄 - Museum of  The Modern Art Institute, Valencia - IVAM 은 21c에 맞는 증축을 결정하였다. SANNA (카즈요 세지마 + 니시지와 류에) 가 프로젝트를 맡았고, 2006년 완공되었다. 다른 사례와는 달리, IVAM 증축은 내부공간을 분절하는 것이다. 반고흐뮤지엄의 경우, 별도의 대지에 상이한 디자인으로 진행한 예지만, SANNA는 마치 원래 그랬던 것처럼 건축안에 건축작업을 했다. 좌측 이미지는 뮤지엄 정면의 우측 일부이다. 외관상 두드러진 변화라면, 바로 이 부분과 지하로 내려가는 계단 정도이다. 내부에서는 확연하게 SANNA의 손길이 느껴진다. 벽의 거실 -Sala de la Muralla-라는 이름이 붙여진 중앙홀은 터빈처럼 거대한 공간이었다. 이곳에 계단과 상부층 로비를 새로 만들었다. 상층부 갤러리들 중, 큰 곳들은 여러 개의 작은 갤러리들로 나뉘어졌다. 새 갤러리들의 간이벽들은 미세한 곡면부를 만들고 있다. 작은 곡률은 SANNA의 싸인처럼 작업한 모든 곳에서 찾을 수 있었다. 곡면은 로비의 중간층 계단에서 가장 확연하게 표현되었다. 대각선으로 가로지른 상부층 로비와 곡면부는 기존 건축의 터빈같은 딱딱함을 없앴고, 훨씬 확대된 공간으로 만들었다. 새로 증축된 뮤지엄의 가장 좋은 곳을 두 가지 꼽는다면, 뮤지엄 기단부에 설치한 물을 이용한 현대예술작품들과 중앙로비가 만들어 낸 ATMOSPHERE 이다. 기단부의 작품들은 도로의 소음을 차단하고, 중앙로비 계단홀은 쏟아지는 빛을 단계적으로 순화시켜 준다. 특히, 이와 같은 계단홀과 중층 로비의 곡면형태는 기존의 직사각형 로비가 안고 있던 음향문제를 해결한 것이기도 하다. 기존의 로비에서는 소리의 울림현상이 심각했었다 한다.

 ▒ 모포시스 - 미완성의 연속들 / 파리

모포시스 - morphosis -는 1972년 쏨 메인(Thom Mayne, 1942년생)이 설립한 설계사무소 이름이다. 2006년 파리 퐁피두에서 5개월동안 열렸던 모포시스 건축전시회의 제목은 Continuities of the Incomplete 였다. 필자에겐 Continuities of the works 로 느껴졌었던 방대한 기획이었다. 무려 50여 개가 넘는 작품들이 바닥에 설치된 고강도 유리판 아래에 진열되었고, 관람객들은 작품 위를 걸어 다녀야 했었다. 몇 작품을 제외하고 대부분이 페이퍼 프로젝트로 아쉬움을 주었던 전시였다. 건축주, 대중, 그리고 사회가 받아주지 않았던 작품들이라고 할 수 있겠다. 김소월의 시처럼, "살포시 즈려 밟고 가시옵소서." 의 애잔한 메시지가 관람내내 전율처럼 다가왔다. 쏨 메인의 인터뷰(Last 5분)에서 그는 " 나의 생각들은 끊임없이 일(건축)하고 있다." 란 말로 끝을 맺었다. 사무실에 건축의뢰가 들어왔을 때, 시작하는 설계는 이미 늦은 건축작업이란 것으로 이해했다. 뭔가 다른 건축가는 다르다.

 ▒ 프랭크 게리 - 벡시 뉴시네마 / 파리

원래 American Center 미문화원으로 파리 벡시에 1988년 완공되었던 건축이었다. 그러나, 화재로 내부가 소실되고 외관이 많이 손상된 후 미국은 파리에 이 건축을 양도하였다. 그후, 오랜 기간동안 방치되었으나, 구조와 외관을 유지한 채, 2006년 벡시의 새로운 시네마건축으로 리노베이션되었다. 프랭크 게리의 유연한 디자인에 화강암 건축재료가 사용되었다. 모자이크방법으로 매우 정밀하게 이어붙인 형식으로 매끄러운 곡면이 잘 표현되었다. 다양한 볼륨의 결합이 빛의 분절로 극대화되어 있고, 내부의 강렬한 자연광유입은 다소 날카로운 공간들의 마구리를 부드럽게 순화시켜 주고 있었다. 프랭크 게리의 건축특성은 건축가의 상상력이 그대로 건축으로 표현되고 있는 점과 외관이 그대로 내부공간과 연결되는 점이라고 생각한다. 내부공간도 외부이미지만큼이나 독특하고 매력적인 평면구성으로 되어있다는 것이 프랭크 게리의 건축이 갖고 있는 매우 강한 설득력이라고 본다.

 ▒ 윌 알솝 외 다수 - 라인강 항만의 거리건축전 / 뒤셀도르프

이곳을 찾게 된 계기는 SKY 위성방송의 The Class 프로그램 때문이었다. 프로그램 제목은 " 라인강 항만의 거리건축전" 이었고 , 화려한 이벤트없이 그야말로 건축의 나열이었다. 도시의 거리풍경에서 건축의 파사드들이 하나의 전시 오브제가 될 수 있다는 사실이 흥미로운 이슈였다고 생각한다. 컨셉의 배경에는 2차 대전 후, 폐허가 되었던 뒤셀도르프 라인강변을 재건하는 도시 프로젝트를 보여 주는 것이라고 간략히 말할 수 있다. 남아 있는 고건축은 돌맹이 하나라도 그대로 보존하려는 노력과 앞으로 이 도시가 사람들의 관심과 사랑을 받을 수 있도록 기술적, 미학적으로 최선을 다하는 모습이었다. 라인강변 일대의 풍경 중, 아트와 미디어센터는 별도로 묶었다.

 ▒ 프랭크 게리 - 라인강 항만의 아트와 미디어센터 / 뒤셀도르프